Marshall Allman entrou para o elenco fixo da próxima temporada do drama ‘True Blood’, exibido pela HBO.
Allman interpretará Tommy Mickens, irmão mais novo de Sam Merlotte. O ator é conhecido por interpretar LJ Burrows nas quatro temporadas de ‘Prison Break’, da Fox.
Aqui vai um trailer quentinho promovendo o quarto ano do drama ‘Big Love’, exibido na HBO.
A música do trailer é ‘Untitled’, do Interpol.
A season finale da sétima temporada de ‘Curb Your Enthusiasm’, que reuniu todo o elenco de ‘Seinfeld’ novamente, foi o episódio mais visto da série nos últimos cinco anos.
Cerca de dois milhões de pessoas assistiraram ao episódio no domingo a noite. O número é 24% maior quando comparado a season finale do sexto ano da série, em 2007.
Se somarmos exibições na TV, as reprises por DVR e as exibições no HBO On Demand (streaming), ‘Curb’ fecha a temporada com uma média de 5.1 milhões de telespectadores, audiência 36% maior que a da temporada passada.
Nova minissérie da HBO sobre sobre três fuzileiros do exército norte-americano:
Vai ao ar esta semana na emissora.
É oficial!
Depois de meses de silêncio e especulações, a HBO finalmente se pronunciou: ‘In Treatment’ acaba de ser renovada para uma terceira temporada.
A produção do terceiro ano está marcada para começar no primeiro semestre de 2010. Ainda não há notícias sobre o elenco e a volta de personagens.
A HBO anunciou que a quarta temporada do drama ‘Big Love’ estreia dia 10 de janeiro na emissora a cabo. A última temporada também começou a ser exibida em janeiro.
A grande novidade em relação ao retorno da série é a presença da atriz Sissy Spacek, que foi integrada ao elenco fixo do show. Sua participação começa no terceiro episódio.
Spacek foi indicada seis vezes ao Oscar de Melhor Atriz e levou a estatueta duas vezes para casa.
A HBO renovou esta semana a comédia ‘Bored to Death’ para uma segunda temporada. A decisão é uma estratégia recente das emissoras de TV a cabo, enviando subliminarmente uma mensagens aos fãs: “pode se viciar nesta série preocupações, ela não será cancelada”.
Exibida após ‘Curb Your Enthusiasm’, a novata foi renovada com apenas três episódios exibidos, mas seu grande feito foi ter conquistado 4.1 milhões de telespectadores em seu primeiro episódio.
O retorno da turma de ‘Seinfeld’ foi sensacional para ‘Curb Your Entushiasm’ da HBO. O episódio em que reuniu novamente Seinfeld (Jerry Seinfeld), Elaine (Julia Louis-Dreyfus), George (Jason Alexander), Kramer (Michael Richards) e Larry David foi visto por 1.6 milhão de telespectadores, a maior audiência da história da série do canal a cabo.
Adicione aí a audiência da reprise, o episódio terá sido visto por 2.6 milhões de telespectadores, sedentes para acompanhar novamente as aventuras da gangue da NBC.
Mad Men, é uma série inovadora – na abordagem, não na estética – criada por Matthew Weiner, roteirista de Sopranos. É a série que colocou o canal a cabo AMC na rota dos canais de seriado. Parte da “culpa” é da HBO, que recusou o projeto quando Weiner bateu à porta da emissora e até hoje a emissora se nega a falar sobre este ocorrido. Mas aí são outros 500, quem entende de TV sabe que estes são dias sombrios para a HBO e a ladeira é muito íngrime. Como dizem por aí: “It’s not TV, it’s HBover”.
Já o pequenino canal a cabo AMC nunca foi gente grande e da noite para o dia viu-se com a melhor série da televisão em suas mãos. Sua programação sempre foi pífia, repleta de filmes, talk shows e reruns. Agora, começa investir pesado nos chamados “programas originais”, ou seja, criados pela emissora. Entre eles, outras duas séries merecem atenção: Breaking Bad e o remake da clássica, cult, incrível, divisora de águas e tudo mais de bom que você puder pensar, The Prisoner (O Prisioneiro), aqui, no formato minissérie. Um adendo a isto tudo é a audiência de Mad Men, que triplicou em dois anos: enquanto a series premiere foi assistida por 915 mil telespectadores, a estréia da segunda temporada teve 2 milhões de telespectadores e a estréia da terceira, no último dia 16, abocanhou 2,8 milhões de telespectadores.
Muitos são os fatores responsáveis pelo sucesso da série: assim como James Gandolfini em Sopranos, Jon Hamm parece ter nascido para interpretar Don Draper. O resto do elenco também é primoroso, com destaques para Elizabeth Moss, January Jones e John Slattery. Os plots são bem trabalhados, respeitando o tempo dos personagens. O timing é algo tão valorizado na tela, que vez ou outra, parece que estamos diante de um documentário com pessoais reais. E as situações, lógico: talvez o grande mérito de Mad Men, seja a precisão histórica, veracidade em que apresenta situacões cotidianas do início da década de 1960. Muita coisa vivida na época está alí: o boom da publicidade, a vida mesquinha de Nova York, o glamour, a repressão das mulheres, o cigarro, a bebida, o racismo, adultério e até eleições presidenciais, no caso, a disputa pelo poder entre o senador democrata Kennedy e o na época vice-presidente Nixon.
A terceira temporada começa não se preocupando muito em explicar a série para quem até agora não a assistiu: o “previously” dura apenas um minuto e há uma passagem de tempo entre o fim do segundo ano e a atual season premiere. O ano é 1963 e Kennedy ainda é presidente. Diferente do que imaginávamos ao fim da segunda temporada, após Betty perdoar Don e deixá-lo voltar para casa, aqui, vemos um Don Draper não muito diferente do de sempre, praticando o adultério assim que a oportunidade aparece.
‘Out of Town’, nome do episódio, destina bastante de seu tempo mostrando Don e Sal Romano em uma viagem de negócios enquanto a Sterling Cooper, agora vendida para uma firma inglesa, e com novos CEOS, pega fogo. Por falar em pegar fogo, em um pequeno acidente no hotel em que Don e Sal se hospedam, Don descobre sobre a homossexualidade de Sal, mas não o confronta – e realmente não faz o fetio de nosso protagonista.
Enquanto isso, com a demissão do gerente de contas da agência, o novo diretor de finanças, Lane Pryce, promove ao mesmo tempo Pete Campbell e Ken Cosgrove a diretores – causando conflito entre os dois. Peggy é cada vez mais importante para a agência e agora possui sala, secretária e, mais importante, o respeito de Joan.
Ao mesmo tempo em que é romântica e nostálgica, Mad Men é um exercício de crítica: sempre que pode, coloca o dedo na ferida nos problemas da época. Sempre que pode, nos faz admirar Don Draper e seu penteado reluzente em seus ternos impecáveis, passando a imagem de que o protagonista é um ser acima do bem e do mal, e é como realmente nosso protagonista se comporta.
Considerando que a série deve durar cinco anos, esta terceira temporada com seu senso incomum de estilo, tem tudo para ser a temporada das mudanças, pois chegamos no meio da jornada dos personagens. E a julgar pela season premiere, o isolamento e sentimento de solidão serão temas recorrentes desta temporada – sempre em paralelo com as mudanças culturais que acontecem de uma temporada para outra. Como diz Don Draper em determinado momento do episódio: “Continuo indo em novos lugares e continuo dando de cara com algum lugar em que já estive.”
Matthew Weiner, criador do programa, já disse que pretende levar a série ao ar por cinco anos, para fechar o arco de dez anos na vida dos personagens. Ponto para Weiner e “Mad Men”: cinco temporadas é o tempo perfeito para que uma série tenha começo, meio e fim. Mad Men é tão bem conduzida, que aos poucos vai se tornando ao mesmo tempo um ícone cult e pop.
Há alguns anos a HBO era o canal a cabo modelo para todos os outros. Menos pelo seu marketing, mais pelos programas que levava ao ar. Carnivale, Six Feet Under, Deadwood e Sopranos – deixando The Wire de fora já que a série não chegou ao fim ainda – foram alguns dramas que alavancaram o nome e a audiência do canal nos últimos dez anos. Não podemos esquecer de citar também a comédia Sex and the City (ou como costumo a chamar: a série que todo mundo viu). Por melhor que sejam, séries como In Treatment e True Blood estão anos luz atrás de suas antecessoras.
A HBO foi o carro forte da chamada era de ouro da TV norte-americana. A safra foi tão boa que outros programas foram ao ar na TV aberta, com status de “too good for open tv”. Para não me prolongar, cito The West Wing e Studio 60 for the Sunset Strip.
A era do ouro foi embora há um tempo, a safra é péssima, a HBO ficou de fora da categoria Melhor Drama no último Globo de Ouro e perdeu seu posto de “canal diferenciado” para menores como FX e Showtime. Este é o retrato atual da TV norte-americana. Aos poucos, a emissora busca trazer seu público de volta. Hora com erros, como Eastbound & Down, hora com acertos, como é o caso de Hung.
Estrelada por Thomas Jane, o protagonista de The Mist, a dramédia – assim considerada pela HBO, mas para mim é apenas drama – é ambientada nos tempos atuais, no coração de Detroit, um dos estados americanos que mais sofre com a crise econômica e imobiliária. Jane dá vida a Ray Drecker, sujeito que no high school era “atleta, popular, charmoso, cheio de vida e bem dotado”, como descrito por sua ex-mulher em dado momento do episódio piloto. Agora, ainda parafraseando Jessica, vivida por Anne Heche, é “apenas bem dotado”.
Ray é treinador universitário de basquete. Após perder a mulher, os dois filhos, a moral e a auto-estima, vai atrás de uma aula de “Como se tornar um milionário” para perdedores. É lá, e com a ajuda de um caso, uma poetisa, que Ray tem a idéia que o deixará rico. Quando incentivados pelo professor em descobrir o que há de diferente dentro de si dos demais, Ray percebe: não é muito inteligente e sua época já passou. O que sobrou para Ray? Seu enorme pênis. A partir daí, o ex-treinador resolve se prostituir com a ajuda de Tanya, a ex-poetisa que agora se tornará sua cafetina.
A HBO lançou algumas séries nos últimos anos mais engraçadinhas e menos dramáticas. Nenhuma delas vingou como esperado. Hung é diferente das demais por ter muita carisma. Anos atrás diríamos que uma série boa de outro canal tinha cara de HBO. Hoje, digo que Hung tem cara de Showtime.
Agora, se é o programa que colocará a HBO de volta nos trinques, é cedo demais para afirmar. Alguns veículos, como o San Francisco Chronicle, já citam a série como “the next big thing”, mas acho muito cedo. O piloto, que teve uma audiência de 2.8 milhões de telespectadores, tem sim muitas ramificações e possibilidades que podem render boas histórias para uma primeira temporada: Ray é muito carismático e o cenário escolhido como pano de fundo da série, a crise norte-americana, é interessantíssimo de se acompanhar.
Pense nas dez séries mais premiadas da história do Globo de Ouro. Arriscaria um palpite? Seinfeld? Six Feet Under? Com certeza não. Arquivo X? Sopranos? Sim, sim, talvez. M*A*S*H? Definitivamente!
Pesquisando os prêmios do Globo de Ouro, imaginem minha surpresa ao descobrir que M*A*S*H, com nada menos do que oito estatuetas, encabeça ao lado de Sex and the City e All in the Family (!), a lista das séries mais vencedoras da premiação que incluem programas para lá de bizarros como, por exemplo, o The Carol Burnett Show. Oito estatuetas pode parecer pouco para as três séries mais vitoriosas do Globo de Ouro, mas se pensarmos que a premiação tem bem menos categorias para televisão do que o Emmy e que em algumas categorias ainda concorre junto com o cinema (como os coadjuvantes), oito acaba se tornando um bom número.
O Globo de Ouro é uma premiação norte-americana criada em 1944 que visa premiar os melhores filmes e os melhores programas de televisão do ano. Não é a toa que é considerado uma prévia do Oscar: a audiência e sua tradição perdem apenas para a festinha dos tios da Academia e para o Grammy, respectivamente. A premiação, que tradicionalmente acontece no começo de todo ano, é baseada quase que por completo, nos votos de mais de 80 veículos jornalísticos de Hollywood.
Apesar do primeiro Globo de Ouro ter sido em 1943 e ter ido parar nos estúdios da 20th Century Fox, foram apenas 12 anos depois, em 1956, que surgiram na cerimônia os prêmios para os melhores da televisão. Porém, a coisa era ainda um pouco confusa, com prêmios diferentes a cada ano, sem um padrão ano após anos. Apenas em 1970, foi estabelecido o conceito que conhecemos hoje, o de Melhor Drama, Comédia/Musical, Ator, Atriz, Ator e Atriz coadjuvante. Ou seja, pode-se dizer que a história do Globo de Ouro para os aficionados por televisão tem apenas 39 anos.
Partindo desse princípio, criei uma lista com as dez séries mais vitoriosas de todos os tempos (que na verdade são 11 – calma aí que já explico) na categoria televisão. Saiba qual foi a primeira série a ganhar o prêmio, qual série mais ganhou, com quem ela concorria, quais eram as expectativas e muito mais!
Sopranos, Arquivo X, L.A. Law, Dinastia, Alice e The Carol Burnett Show
Em último lugar, com cinco votos para cada, temos seis séries. Com isso, o TOP 10 acaba virando TOP 11, pois acima dessas seis, empatadas, temos cinco séries com mais do que cinco estatuetas.
The Carol Burnett Show
De todas as dez séries, a primeira a ganhar o prêmio de melhor série (no caso programa) foi The Carol Burnett Show, em 1971, humorístico ao vivo – diferente da maioria dos programas da época que eram pré-gravados) apresentado por Carol Burnett, Tim Conway, Harvey Korman, Vicki Lawrence e Lyle Waggoner que levou ao ar originalmente na CBS 278 episódios entre 1967 a 1978.
O programa, longe de revolucionário, era até bem bacana e apresentou alguns quadros inesquecíveis como “Went with the Wind”, paródia de “E O Vento Levou” onde Burnett representava Scarlett O’Hara.
A série original acabou tendo outras versões caça-níqueis como “Carol Burnett and Friends” e “Carol & Company”, duas tentativas frustradas por parte da CBS e NBC, respectivamente, de repetir o sucesso do original. Em 1991, a CBS ainda tentou fazer um revival do programa, trazendo-o de volta para uma nova temporada. Resultado? Fracasso absoluto e apenas nove episódios exibidos.
Em seu auge, The Carol Burnett Show, que chegou a ter participações muito especiais como as de Shirley MacLaine, Liza Minelli, Cher e Vincent Price, era difícil de ser batida. Com cinco Globo de Ouro debaixo do braço, ganhou consecutivamente o prêmio de melhor atriz de comédia em 77 e 78 e também consecutivamente o prêmio de melhor ator coadjuvante 75 e 76.
Apesar dos cinco prêmios na bagagem, a estatueta de Melhor Série de Comédia foi levada pelos comediantes apenas em 1971, mesmo ano em que a série Missão: Impossível estrelada por Martin Landau sagrava-se vitoriosa em Melhor Drama.
Alice
Exibida pela primeira vez em 1976, Alice foi uma sitcom de grande sucesso. Estrelado por Linda Lavin no papel-título e exibida pela CBS, era baseada no filme vencedor do Oscar de Melhor Atriz, Alice Não Mora Mais Aqui, de 1974.
Alice contava a historia de uma mulher que após a perda de seu marido, resolve sair de New Jersey com seu filho e viajar de carro para Los Angeles, na esperança de se tornar uma cantora de sucesso. Com o carro quebrado em Phoenix e sem dinheiro para o conserto, Alice arruma um emprego como garçonete na lanchonete Mel’s Diner e de lá só sairia novamente em 2 de julho de 1985, quando foi ao ar o último episódio da série.
Mesmo com a forte concorrência da antológica série Taxi, que venceu o Globo de Ouro três vezes consecutivas de 1979 a 1981 na categoria Melhor Série de Comédia, Alice não se intimidou, “roubou” metade do Globo de Ouro de 1980, quando ao lado da série de Andy Kaufman, também consagrou-se vencedora na categoria Melhor Comédia.
No ano anterior, 1979, apesar de Taxi ter faturado o prêmio de melhor série, foi Alice quem faturou o de melhor atriz e melhor atriz coadjuvante. No primeiro prêmio, Linda Lavin desbancou a própria Carol Barnett, favorita naquele ano. Já na segunda estatueta, Polly Holliday, que concorria por sua popular personagem Flo em Alice, desbancou Marilu Henner, uma das protagonistas de Taxi.
Voltando para 1980, a história parecia fadada a se repetir. Na categoria de Melhor Série, que Taxi ganhava pela segunda vez consecutiva, também concorriam entre outras, Alice e M*A*S*H. Mas se Taxi desbancou M*A*S*H, Alice desbancou Taxi. E novamente nas categorias de Melhor Atriz e Melhor Atriz Coadjuvante. Dessa vez, o páreo de Linda Lavin era acirrado: de um lado, Jean Stapleton, protagonista de All in the Family, do outro, Loretta Swit, a major Margaret Houlihan de M*A*S*H. Já na categoria coadjuvante, novamente Polly Holliday contra Marilu Henner. E novamente deu Holliday.
Dynasty
Um dos maiores equívocos da televisão é a soap opera (mais novela do que seriado – vide Desperate Housewives) Dinastia, famosa por seus cliffhangers e erros de continuidade.
Exibida pela ABC de 1981 a 1989, Dinastia tinha seus conflitos em torno de duas famílias de Denver, Colorado que se odiavam: Carringtons e Colbys.
A primeira temporada teve audiência consistente, mas foi apenas no segundo ano da série, mais especificamente em sua season premiere, que Dinasty decolou, abrindo com o episódio “Enter Alexis”, um clássico, onde o personagem misterioso da primeira temporada retirava seus óculos escuros revelando a atriz inglesa Joan Collins (muito Ugly Betty, isso).
Alguns episódios depois a série já estava no topo da audiência figurando sempre no Top 20 da Nielsen. Em 1985, na quinta temporada, alcançou o apogeu conquistando o primeiro lugar na audiência e ganhando convidados para lá de luxuosos como o ex-presidente americano Gerald Ford – também não é para tanto, nos EUA tudo quanto é político participa de seriado. Mas na mesma velocidade em que os números subiram, eles declinaram: com o revival de comédias que se estabelecia na época (Cosby Show, Cheers etc.) Dynastia acabou perdendo o primeiro lugar para nunca mais voltar ao topo.
Apesar de todos os altos e baixos, a série teve uma carreira de sucesso nos Globo de Ouro. Levou cinco estatuetas para casa, incluindo a de Melhor Série de Drama em 1984, quando bateu a concorrência de Hill Street Blues – vencedora nos dois anos anteriores. O grande feito da novelinha talvez tenha sido conquistar estatuetas em três anos seguidos – 1982-1984. Em 82, Linda Evans deu o primeiro troféu da premiação ao programa ao vencer o prêmio de Melhor Atriz em Drama empatada com Barbara Bel Geddes, sua concorrente direta em Dallas. 1983, era uma incógnita: com grandes séries como M*A*S*H, Hill Street Blues, Dallas, Magnum, Cheers e Fame na disputa, Dynastia saiu no lucro ao levar para casa duas estatuetas: as de melhor ator e atriz de drama para John Forsythe e Joan Collins, respectivamente.
Em 1984, além do prêmio de Melhor Drama do ano, John Forsythe viria a ser coroado novamente como melhor ator do ano em drama.
Sua grande contribuição para a TV foi o surgimento de um personagem gay – que tinha até amante – em uma trama noturna de grande audiência, fazendo com que as pessoas olhassem para a situação dos gays em plena era da AIDS.
L.A. Law
Criada por Steven Bochco, criador de Nova York Contra o Crime (NYPD Blue), L.A. Law pode ser considerada a mãe das séries de tribunal e sem dúvida, dá um show em qualquer criação de David E. Kelley, que participou aqui como escritor e produtor executivo e alcançou a glória com Emmys de Melhor Roteiro em 1990 e 91.
Vencedora de cinco estatuetas do Globo de Ouro, a série teve uma longa duração de nove temporadas e é considerada até hoje uma das séries mais populares do final da década de 80, início da de 90.
Mostrando o dia-a-dia de uma firma de direito de Los Angeles, a série deu bastante sorte em 87 e 88 quando venceu consecutivamente o prêmio de Melhor Drama do ano barrando concorrentes como Murder, She Wrote, drama/suspense que havia vencido também consecutivamente o prêmio de melhor série de drama nos dois anos anteriores.
Ainda no ano de 1988, talvez na maior zebra daquele ano, L.A. Law consagrou a atriz Susan Dey, vencedora do prêmio de Melhor Atriz de Drama, batendo a favorita da noite, Angela Lansbury (de Murder, She Wrote). Já em 1989, a historia se fadava a repetir e Jill Eikenberry acaba saindo-se a grande vencedora da noite na mesma categoria, batendo de novo Lansbury.
1990 e 1991 foram os grandes anos de Cheers e Twin Peaks e L.A. Law acabou saindo um pouco dos holofotes. Apenas em 1992 a série retornou como favorita em alguma indicação: Amanda Donohoe levou a estatueta de Melhor Atriz Coadjuvante, derrotando as protagonistas de The Golden Girls e Cheers.
L.A. Law durou até 1994 e acumulou diversos prêmios em sua bagagem, incluindo três Emmys consecutivos de Melhor Série de Drama entre 1989 e 1991.
Quem já viu L.A. Law sabe que David E. Kelley vem copiando pequenas coisas da série em todas as séries.
Arquivo X
Arquivo X, uma das grandes séries de todos os tempos, é uma criação de Chris Carter e foi ao ar pela primeira vez em setembro de 1993. O seriado é considerado um dos primeiros hits da Fox americana e ficou famoso por emplacar slogans mundialmente famosos na cultura pop como “The Truth Is Out There”, “Trust No One”, “Deny Everything” e “I Want to Believe”, como Heroes hoje em dia com o seu precoce “Save the cheerleader, save the world!”.
A série rodava em torno da vida dos agentes Fox Mulder (David Duchovny) e Dana Scully (Gillian Anderson), responsáveis pelas investigações dos chamados “arquivos x”, arquivos marginalizados pelo FBI devido a seu conteúdo paranormal. Duchovny fazia o papel do agente de mente aberta enquanto a personagem de Anderson havia sido originalmente transferida para o departamento para investigar as ações do trabalho inconvencional de Mulder. Apenas originalmente, pois mais tarde eles acabam virando parceiros, amigos e, bem… marido e mulher.
O auge da série foi no meio dos anos 90 e depois de cinco temporadas a série ainda gerou um filme de sucesso (“Arquivo X: O Filme”) para depois encerrar com mais quatro temporadas e um outro filme: “Arquivo X: I Want to Believe”. Nas duas últimas temporadas, a série teve um significante declínio, principalmente pelo esgotamento criativo dos roteiristas que não sabiam mais onde levar aquelas personagens e pela vontade de Duchovny de sair da série para se dedicar a sua carreira no cinema.
Na época de seu episodio final, em maio de 2002, Arquivo X era em toda a história, a série de ficção cientifica a mais tempo no ar (nove temporadas e 201 episódios) mas eventualmente perdeu o posto para Stargate SG-1. É considerada pelo TV Guide como a série de maior culto de todos os tempos, atrás apenas da franquia Star Trek. Estamos falando de um culto americano, pois mundialmente falando, perderia para Dr. Who e O Prisioneiro.
A carreira de Arquivo X no Globo de Ouro teve quatro anos de duração, sendo que em três, sendo eles 1995, 97 e 98, a série saiu-se vitoriosa na categoria Melhor Série de Drama. Em 95, a concorrência não era lá essas coisas e a série só teve que passar por cima de ER.
Em 97, houve a grande consagração da série, que levou para a Fox os três mais importantes prêmios da noite. Na categoria de melhor drama, 95 se repetiu, só que aqui a disputa foi mais apertada, mas não com ER e sim com Party Of Five que havia vencido na categoria no ano anterior. Em Melhor Ator, Duchovny passou de bom ator para grande celebridade do ano ao vencer ninguém menos do que George Clooney que concorria por ER. Interessante aqui, é que quem também concorria na categoria, era Lance Henriksen, protagonista de Millennium, série também criada por Carter. Já em Melhor Atriz, Gillian superou a incrível Christine Lahti que começava a se destacar por seu papel em Chicago Hope. Um dia inesquecível para qualquer “excer”.
O final ainda estava longe, assim como seu declínio, mas 98 chegou e foi o último ano que ganhou alguma coisa na premiação. Sem os prêmios de Melhor Ator e Atriz, parecia que Arquivo X sairia com as mãos abanando, já que dessa vez era a série que corria por fora no prêmio de Melhor Drama enquanto ER e Law & Order disputavam os holofotes. Doce engano. Somava ali, sua quinta e última estatueta na premiação.
The Sopranos
Uma das séries mais importantes dos últimos anos The Sopranos é ambientada na terrível New Jersey. O seriado mostra o dia-a-dia de Tony Soprano (James Gandolfini), ítalo-americano que tem como desafio comandar duas famílias. De um lado, sua mulher, seu filho e sua filha. Do outro, a máfia. Grande marco da HBO ao lado de Six Feet Under, a série estreou no final da década de 1990 para no ano seguinte já conquistar quatro estatuetas do Globo de Ouro.
Desde que foi ao ar em 1999, o seriado se tornou um fenômeno cultural ganhando popularidade pelo mundo ao mostrar com exatidão a comunidade ítalo-americana, os efeitos da violência e a tênue linha que divide o certo e o errado na sociedade.
Além da notável habilidade de atuação por parte do elenco, alguns atores também se destacam por um lado mais negativo: o de quando a vida imita a arte. Como exemplo, o ator Robert Iler, que da vida a Anthony Jr., que em 2001, foi preso por assaltar à mão armada dois turistas brasileiros. O ator foi condenado a quinze anos de prisão, mas por ser menor de idade e ter alegado culpa, ganhou uma condicional de três anos.
Sopranos começou com o pé direito no Globo de Ouro. Em 2000, levou para casa os principais prêmios da cerimônia: Melhor Drama, Melhor Ator de Drama e Melhor Atriz de Drama, sem falar no prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante. Sem dúvida a maior concorrente da série no ano, era a premiada The West Wing, porém, o prêmio ficou mesmo com James Gandolfini.
Na categoria feminina parecia certo que o prêmio iria para Sopranos. A verdadeira questão, era para quem: Edie Falco ou Lorraine Bracco, que interpretavam Carmela Soprano e Dra. Jennifer Melfi, respectivamente. No fim, melhor para Falco. Ainda em 2000, o show levou outra estatueta: a de Melhor Atriz Coadjuvamente, pelo brilhante papel de Livia Soprano, mãe de Tony, interpretado pela incrível Nancy Marchand.
Com os anos seguintes monopolizados por The West Wing e Six Feet Under, Sopranos acabou levando apenas mais uma estatueta: Melhor Atriz em Drama, de novo para Falco, em 2003, derrotando nomes como Jennifer Garner e Rachel Griffiths.
Cheers
Cheers estreou na NBC em 1982 e tinha como ponto de partida um bar de Boston onde um grupo de pessoas se reunia para beber e se divertir. Quase cancelado ainda em sua primeira temporada devido a péssima audiência, os produtores apostaram um pouco mais e Cheers acabou durando 11 temporadas e 273 episódios.
Vencedora de 26 Emmys, a série teve uma bela carreira no Globo de Ouro, sendo a quarta maior vencedora da história da premiação, e responsável pela consagração de Kelsey Grammer que interpretava a personagem Frasier, que eventualmente ganhou seu próprio show. Frasier também teve passagem pelo Globo de Ouro com dois prêmios para o próprio Grammer na categoria Melhor Ator em Comédia.
Os anos dourados de Cheers foram 1990 e 1991. Porém, foi em 1983 que a série ganhou pela primeira vez. Concorrendo com nomes de peso como Loretta Swit de M*A*S*H, Shelley Long não era favorita por ser o primeiro ano de Cheers no evento, mas a zebra rolou e Long venceu, dando a Cheers não apenas sua primeira estatueta no Globo de Ouro, mas a primeira na historia do seriado em premiações.
Em 1985, a série levou um prêmio mais importante: o de Melhor Atriz de Comédia. O engraçado aqui, é que novamente a vencedora foi Shelley Long, já que os produtores resolveram apostar e indicá-la como Melhor Atriz, uma vez que sua personagem havia crescido consideravelmente de importância durante os anos.
Depois de um longo sumiço, em 1990 a série voltou a figurar entre as vencedoras ao levar o prêmio de Melhor Ator em Comédia, faturado por Tad Danson que desbancou o grande favorito da noite, o grandalhão John Goodman, que concorria por Roseanne.
Sem dúvida, 91 foi o grande ano para Cheers no Globo de Ouro que faturou a tríplice coroa: Melhor Série, Ator e Atriz de Comédia. Na categoria de melhor ator, Danson novamente superou Goodman (e Burt Reynolds!) e levou a melhor. Já em Melhor Atriz, a vencedora foi Kirstie Alley por Cheers, ela mesma, de Fat Actress e Veronica’s Closet.
Murder, She Wrote
Apesar de ter sido um sucesso em sua época, vencedora de seis Globo de Ouro, série de suspense de maior longevidade da história, e ter tido doze temporadas, Murder, She Wrote sempre foi renegada pela crítica.
Murder, She Wrote era assim: uma série de suspense sobre Jessica Fletcher (Angela Lansbury), famosa escritora de romances policiais que sempre, e por sempre eu digo SEMPRE, esbarrava com assassinatos em todos os lugares que ia. A polícia então começava a investigar, sem muito êxito culpando alguém qualquer, e Jessica não satisfeita com a resolução, dava uma de detetive e resolvia o crime sozinha.
Não me levem a mal, a série era sim muito boa, mas doze temporadas, ou 263 episódios é dose.
Claro que sempre rolava aquele negócio da polícia vir e mandar Jessica largar o caso por não fazia parte das investigações, mas a escritora, acabava conseguindo uma vaga de perita por ter algum fã de seus livros dentro da polícia.
Iniciada em 1984 na CBS, Murder, She Wrote foi sucesso absoluto de público, porém, ao longo de suas temporadas, foi declinando na audiência pelo esgotamento criativo dos roteiristas que até tentaram dar uma nova guinada na série mudando Jessica para Nova York, mas era tarde demais: Em 1994 estreava Friends na televisão e por dois anos “Murder” teve que concorrer diretamente com a comédia. Os índices começaram a despencar até que eventualmente, em 1996, o show deu seu adeus definitivo.
A carreira da série no Globo de Ouro começou em 1985 quando levou os prêmios de Melhor Drama do Ano (derrotando as favoritas Dinastia e Hill Street Blues) e Melhor Atriz de Drama para Lansbury. Em 86, novamente a série fatura o prêmio, dessa vez, deixando para trás Miami Vice e Dinastia entre outras.
Em 1987, 90 e 92, Lansbury novamente ganhava o prêmio de Melhor Atriz de Drama consolidando-se como uma das grandes atrizes da televisão do final dos anos 90. Suas principais concorrentes em cada ano foram John Collins de Dinastia, Susan Dey e Jill Eikenberry por L.A. Law e Dey novamente por L.A Law, respectivamente.
Ao longo de Murder, She Wrote, diversos rostos conhecidos do grande público passaram pela série, dando ao público oportunidade de rever seus atores favoritos da infância e adolescência.
Sex and the City
Sex and the City, também conhecida como “a série que todo mundo já viu no Brasil”, estreou em 1998 e teve seis temporadas, terminando em 2004.
Mostrando a vida de Nova York através dos olhos de Carrie Bradshaw, colunista de sexo de um jornal da capital, a série foi um enorme sucesso no mundo todo e foi uma das mais revolucionárias e divisoras de águas da televisão, ao falar tão abertamente sobre sexo. Algo que claro, só a HBO trazia na época (hoje em dia temos outras como FX, AMC e Showtime).
A série, baseada no livro homônimo de Candace Bushnell, focava a vida de quatro melhores amigas de trinta e poucos anos e suas desventuras com os homens, o sexo e a noite nova-iorquina regada a muitos cosmopolitans.
Por ter sido um verdadeiro marco da televisão, foi um arrasa quarteirão no Globo de Ouro: nomeada 24 vezes a premiação e levou nada menos do que oito estatuetas. Em 2000, 2001 e 2002 não teve para ninguém e o programa faturou consecutivamente o prêmio de Melhor Comédia do ano. Na categoria de Melhor Atriz de Comédia, mesma coisa: Sarah Jessica Parker faturou três vezes consecutivas. Durante os três anos, a atriz teve como grande concorrência Calista Flockhart por Ally McBeal e Debra Messing por Will & Grace. Já a série, teve como concorrentes favoritas, Ally McBeal, Will & Grace e Spin City (vencedora do prêmio de 98 a 2000 e em 2001).
Em 2003 e 2004 a série saiu da premiação com um prêmio em cada ano. No primeiro, o de Melhor Atriz Coadjuvante para Kim Cattrall, dona do papel de Samantha, personagem inesquecível na mente de qualquer marmanjo. Em 2004, novamente o de Melhor Atriz de Comédia para Sarah Jessica Parker, tornando-a a maior vencedora da categoria na história da premiação.
All in the Family
Voltemos para 1971, um ano após a revolução do formato do Globo de Ouro. A série All in the Family, clássico da televisão, foi vencedora de também oito estatuetas e foi ao ar pela primeira vez em 12 de janeiro de 1971 na CBS.
Baseada na série britânica Til Death Us Do Part, era protagonisada por Jean Stapleton e foi revolucionário em seu tempo por abordar verdadeiros tabus da sociedade como racismo, homossexualismo, liberdade da mulher, estupro, câncer e impotência.
Em 2002, buscando as 50 melhores séries, o TV Guide apontou All in the Family como o quarto melhor programa de todos os tempos e apontou Archie Bunker, personagem da série, como melhor personagem de todos os tempos. Por falar em Archie Bunker, em 1979, a série foi reformulada e simplesmente mudou de nome (!) para Archie Bunker’s Place. Quatro anos se passaram até que foi finalmente cancelada em 1983.
Os oito prêmios aconteceram entre 1972 e 1978, sendo quatro para Melhor Série de Comédia (72-74 e 1978), dois para Melhor Atriz de Comédia (1973 e 1974), um para Melhor Ator de Comédia (1972) e um para Melhor Atriz Coadjuvante (1975).
Em Melhor Comédia, não teve dificuldades para vencer três anos consecutivos. Suas maiores concorrentes foram The Carol Burnett Show e M*A*S*H. Em Melhor Atriz, a concorrência foi mais apertada. Em 1973, Jean Stapleton teve que passar por cima de Carol Burnett e Julie Andrews (ela mesma!). Em 1974, de novo Carol Burnett, e Cher! Na categoria de Melhor Ator, de volta a 1972, Carroll O’Conner não teve dificuldades para sair-se vencedor, porém, passando pelo talentosíssimo Dick Van Dyke.
Em 1975, a série ganhava seu sétimo prêmio: o de Melhor Atriz Coadjuvante para Betty Garrett que concorreu com Vicki Lawrence de The Carol Burnett Show, entre outros. Por fim, o último prêmio da série no Globo de Ouro: o quarto de Melhor Comédia, em 1978. A concorrência no ano não era tão forte: apenas The Carol Burnett Show já em descenso. Sua verdadeira oponente naquela noite era Happy Days, que faturou o prêmio duplo de Melhor Ator de Comédia para Henry Winkler e Ron Howard (sim, ele mesmo, que como diretor, era um ótimo ator…).
No Brasil, All in the Family foi exibida por apenas um ano, com o título de Tudo em Família. Depois, foi retirada do ar pela censura.
M*A*S*H
Criada por Larry Gelbart em 1972, a série era inspirada no livro Catch-22 e baseada no filme de mesmo nome dirigido por Richard Hooker em 1970.
Foi através de M*A*S*H que surgiu o termo “dramédia”, devido ao seu conteúdo parte drama, parte comédia, sem uma linha de segmentação fixa. O programa, produzido pela 20th Century Fox para a CBS, acompanhava um time de médicos e seus funcionários em um hospital de Uijeongbu, durante a Guerra da Coréia. Apesar da sinopse, é visível que a série tinha como verdadeira inspiração, a Guerra do Vietnã.
M*A*S*H não foi inesquecível apenas por seus oito Globo de Ouro, mas também por ter tido a series finale de maior audiência da historia da televisão mundial. A “dramédia” teve 251 episódios e durou onze temporadas, cobrindo um período de três anos de guerra.
A história de M*A*S*H no Globo de Ouro começou em 1974, quando McLean Stevenson levou o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante em Comédia. Em 1975 e 1976, Alan Alda levou o prêmio consecutivamente ao derrotar nomes de peso como Carroll O’Connor e Johnny Carson. De 1977 a 1979, Alda continuou concorrendo, mas sem nenhuma vitória. Os anos dourados estavam por vir: Em uma incrível sucessão de prêmios, Alda levou a estatueta de Melhor Ator em Comédia em quatro anos consecutivos: de 1980 a 1983, sendo que em 82, M*A*S*H ainda consagrou-se como Melhor Série de comédia do ano.
M*A*S*H foi a primeira série da história da exibir um episódio com a narrativa em tempo real. Escrito por Alan Alda, em 1978, o roteiro mostrava médicos realizando uma cirurgia em 20 minutos. No canto inferior da tela, um relógico cronometrava tudo.
Que venham as próximas…
Bem capaz que esta lista permaneça intacta por alguns bons anos enquanto não surgir uma nova Sex and the City, uma nova All in the Family ou uma nova M*A*S*H. A conferir.
Planilha
Criei uma planilha com os vencedores de todos os anos nas principais categorias do Globo de Ouro. Para consultar, clique aqui ou na imagem acima.
Com certo atraso (ok, big atraso) resolvi discorrer um pouco sobre o show que considero ser o melhor programa norte-americano atualmente no ar. Este atraso se deve justamente pelo “medo” que esta série ainda me causa. Lógico que estou falando do drama “Mad Men”.
“Medo” pela capacidade absurda da série de retratar quatro temas: 1962, uma agência de publicidade em 1962 , o coditiano de publicitários em 1962 e o coditiano de publicitários nova-iorquinos da Madison Avenue em 1962. Muito já se falou sobre a série. Falar o que o termo “mad men” significa é redundante, considerando que o mesmo é a primeira explicação do piloto da série, com a tela ainda em fade. Não vou perder tempo. Problema é seu se você ainda não se interessou pela série.
Diversas sinopses e argumentos podem ser atribuidos a “Mad Men”. Pode-se dizer que é um programa sobre uma agência de publicidade, é verdade. Porém, não seria equivocado dizer que a trama fala sobre as dúvidas e incertezas do cotidiano de um sujeito, Don Draper. Também não vou perder tempo. Deixo a sinopse para você.
O que precisa ser dito é que “Mad Men”, é uma série inovadora – na abordagem, não na estética – criada por Matthew Weiner, roteirista de “Sopranos”, e que é a série que colocou o canal a cabo AMC na rota dos canais de seriado. Parte da “culpa” é da HBO, que recusou o projeto quando Weiner bateu à porta da emissora. Mas aí são outros 500, quem entende de TV sabe que estes são dias sombrios para a HBO e a ladeira é muito íngrime.
Já o pequenino canal a cabo AMC nunca foi gente grande e da noite para o dia viu-se com a melhor série da televisão em suas mãos. Sua programação sempre foi pífia, repleta de filmes, talk shows e reruns. Agora, começa investir pesado nos chamados “programas originais”, ou seja, criados pela emissora. Entre eles, outras duas séries merecem atenção: “Breaking Bad” e o remake da clássica, cult, incrível, divisora de águas e tudo mais de bom que você puder pensar, “The Prisoner” (O Prisioneiro). Um adendo a isto tudo é a audiência de “Mad Men”, que dobrou em um ano: enquanto a series premiere foi assistida por 915 mil telespectadores, praticamente ninguém, a estréia da segunda temporada teve 2 milhões de telespectadores.
Enfim, muitos são os fatores responsáveis pelo sucesso da série: assim como James Gandolfini em “Sopranos”, Jon Hamm parece ter nascido para interpretar Don Draper. O resto do elenco também é primoroso, com destaques para Elizabeth Moss, January Jones e John Slattery. Os plots são bem trabalhados, respeitando o tempo dos personagens. O timing é algo tão valorizado na tela, que vez ou outra, parece que estamos diante de um documentário com pessoais reais. E as situações, lógico: talvez o grande mérito de “Mad Men”, seja a precisão histórica, veracidade em que apresenta situacões cotidianas do início da década de 1960. Muita coisa vivida na época está alí: o boom da publicidade, a vida mesquinha de Nova York, o glamour, a repressão das mulheres, o cigarro, a bebida, o racismo, adultério e até eleições presidenciais, no caso, a disputa pelo poder entre o senador democrata Kennedy e o na época vice-presidente Nixon.
“Mad Men” também começa a gozar de muito prestígio pela crítica especializada. Depois de vencer o Globo de Ouro levando para casa a estatueta de Melhor Drama e Melhor Ator em Drama para Jon Hamm, agora, junto com a série “Damages”, é a primeira série de TV da história do cabo simples (basic cable – atinge menos domicílios) a ser indicada ao Emmy de Melhor Drama, entre outras 15 indicações (incluindo Melhor Ator de Drama para Jon Hamm).
O acúmulo de indicações e prêmios, o prestígio da mídia, do público, as mad men twitter accounts e as matérias semanais em diversos jornais e revistas do mundo, são pequenas provas de que “Mad Men” é tão bem conduzida, que aos poucos vai se tornando ao mesmo tempo um ícone cult e pop.
Matthew Weiner, criador, já disse que pretende levar a série ao ar por cinco anos, para fechar o arco de dez anos na vida dos personagens. Ponto para Weiner e “Mad Men”: cinco anos é o tempo perfeito para que uma série tenha começo, meio e fim.
Matéria originalmente publicada no site Séries Etc.
O laço mais complexo que pode existir entre dois seres humanos é o relacionamento amoroso, afetivo – dividido com o eco em torno de quatro paredes. Os seres humanos são por si só cercados de tabus, paradigmas, anseios, receios e insegurança. Quem não ama ouvir que é amado? Melhor: quem não ama se sentir amado?
Partindo desta premissa – e a de que todo mundo é fodido por natureza – a HBO Brasil lança no dia 8 de junho, sem muito alarde, a série “Tell Me You Love Me”, que conta o dia a dia de quatro casais: o de 20 e poucos anos, o de 30 e poucos anos, o de 40 e poucos anos e, dando um salto maior, o casal de 70 e poucos anos.
Parando aí, a série já seria fantástica, pois aborda os grandes dilemas de cada faixa etária (chegaremos aos dilemas), mas ela vai além. Aproveita-se por estar em um canal a cabo (nos EUA também é da HBO) para virar quase um soft-porn europeu. Você aí de 20 e poucos anos, transa, não? De 30 também, certo? Então, na série não teria porque o sexo não fazer parte da vida de um casal. Em Diz Que Me Ama – título nacional – não há espaço para falso moralismo. Como disse Rodrigo Garcia, um dos diretores da série, mente por trás da também excelente “In Treatment”: ”Esse negócio de que mulher se cobre com o lençol até o pescoço depois do sexo não existe”.
Série é criticada por mostrar demais
Em uma coletiva de imprensa, a primeira pergunta que Cynthia Mort, criadora da série, foi obrigada a responder, foi a seguinte: “E aí, Cynthia, é tudo verdade como parece?”.
As cenas de sexo em “TMYLM” são de um realismo assustador. Apesar de negar veemente que seriam de fato, reais, Mort e sua cria foram – e estão sendo – severamente criticados – aqui, negativamente – pelo uso em excesso de sexo e, principalmente, nudismo frontal.
Talvez o que mais perturbe são as cenas que parecem ser protagonizadas por mim ou por você, pois são simplórias ao extremo: masturbação, sexo oral, aquela briga em um domingo ocioso que logo se transforma em uma inesperada rapidinha no sofá. O maior motivo das críticas ao programa não é apenas a sua simplicidade ao abordar e desconstruir relacionamentos e sexo, mas seu realismo: Tell Me descarta qualquer “glamouralização” hollywoodiana, mega produção ou maquiagem para esconder mamilos, pênis, enfim, ângulos pouco convencionais das genitálias do sexo masculino e feminino.
Os casais
Michelle Borth e Luke Farrell Kirby interpretam Jamie e Hugo, respectivamente, casal de 20 e poucos anos dividido por atos impulsivos ligados a qualquer jovem e a vontade de oficializarem sua longa relação trocando alianças. Em determinado momento do episódio piloto, os dois conversam:
JAMIE: Você flerta e eu odeio!
HUGO: Eu preciso estar apaixonado por alguém que confie em mim.
JAMIE: Você deveria estar. Só não acho que esta pessoa seja eu.
Porém, como qualquer jovem casal, pecam pela falta de segurança e maturidade em seu relacionamento. Hugo flerta com outras mulheres e Jamie não só sabe como detesta. Quando ela suplica ao cara por uma maior segurança, mais gestos de afeto – como quando ela pede para ele dizer que a ama e que nunca a irá trair -, ele responde o que todas as mulheres nunca desejariam ouvir:
HUGO: Não posso dizer isso. Não sabemos como será o amanhã, Jamie. Você realmente acha que serei o último cara para quem você vai dar na vida?
E o relacionamento começa, vagarosamente, a desmoronar. Alguns episódios depois, Jamie vai à procura de terapia e acaba no escritório da Dra. May Foster.
Sonya Walger (a Penny de Lost) e Adam Scott interpretam Carolyn e Palek, respectivamente, casal de 30 e poucos anos que tem um casamento estável, porém desequilibrado emocionalmente pela incapacidade de conseguirem ter um bebê. Ambos são saudáveis e sadios, os espermatozóides de Palek são “vencedores”, segundo seu médico, mas o casal já tenta a mais de um ano ter um filho, em vão.
Os dois protagonizam as maiores cenas de sexo explícito do programa, afinal, buscam incessantemente, um terceiro membro para a família – e o sexo em busca de um bebê não é o sexo apaixonado que um casal jovem faz quando volta pra casa, é uma transa rápida, fria, sem emoção: quase um estupro. Não. É um estupro. Com a frustração pelo insucesso, os dois acabam procurando uma terapia de casal com a Dra. May Foster.
O terceiro casal é formado pelos atores Ally Walker e Tim DeKay, que interpretam Katie e Dave, respectivamente. Os dois formam provavelmente, o casal mais fucked up do seriado. Katie entrou nos 40, é sozinha, tem um casal de filhos para cuidar e poucas amigas. Dave, é distante, parece ter repulsa por Katie e os dois, casados há 15 anos, não transam a mais de um ano – o que não impede Dave de, vira e mexe, se masturbar na cama.
Katie, mais insatisfeita que Dave, tenta reverter a situação – sem muito sucesso -, e ela acaba no consultório da Dra. May Foster, mas Dave se recusa a participar do que seria uma terapia de casal.
O último casal é representado pelos atores Jane Alexander e David Selby. Alexander interpreta justamente a Dra. May Foster, cuja presença na tela torna o seriado ainda mais sofisticado, pois após abordar casais problemáticos em crises de fidelidade, gravidez e sexo com seus cônjuges, o show oferece os anseios da psicóloga e seu casamento de 43 anos de duração.
Por ela e seu marido fazerem parte da chamada terceira idade, a TV convencional – não falo da TV aberta, mas outros canais a cabo – provavelmente nos pouparia de cenas de sexo envolvendo os dois. No duro? Por quê? Certo que idosos de 70 e poucos anos de não fazem tanto sexo assim, mas May e seu marido Arthur transam que nem coelhinhos: o terceiro episódio da série se encerra com os dois fazendo sexo e May sussurrando ao ouvindo de Arthur:
MAY: Me come! Me fode! Entra dentro de mim.
A série não só é excepcional em seu visual e realismo, mas em sua concepção de que todos os casais de diferentes faixas etárias são iguais: as mulheres de 20 e poucos têm medo de infidelidade, as de 30 de não conseguirem constituir uma família e as de 40 de viverem sozinhas, sem sexo. Os homens de 20 e poucos anos têm dificuldade em se manter em um único relacionamento, os de 30 em acompanharem persistentemente o desejo de sua mulher em ter um filho e os de 40 em manterem o desejo e prazer de fazer amor com sua parceira.
É uma generalização, que verdadeira ou não, dá certo e transforma Tell Me You Love Me na melhor estréia da temporada passada de seriados norte-americanos.
Tell Me You Love Me
Aos domingos, às 22h00
Demanda: 10 episódios
Canal: HBO Brasil
http://www.hbo-br.tv/
Lembro que em uma das vezes que sentei na cadeira defronte ao meu psicólogo, quando ainda não estava acostumado com toda aquela situação paciente-médico, imaginei se não haveria uma câmera escondida em meio a livros. Câmera que posteriormente serviria para arquivar cada palavra que eu esboçasse pronunciar naquele escritório.
Os anos se passaram e levaram com eles aquela idéia de desconfiança. Terapia, análise ou como queira chamar, tornou-se parte fundamental de minha formação como pessoa, independente do tipo de pessoa que me formou.
A idéia de vigiar ou ser vigiado sempre me intrigou. Talvez eu tenha assistido Arquivo X demais. Talvez alguns traumas perdurem por toda nossa vida. Talvez vigiar, espiar (sic Bial), xeretar a vida alheia seja dos maiores prazeres que o ser humano possa ter. Eu sei que eu gosto. Confesso até me identificar com o Peeping Tom do famigerado Michael Powell.
Não é todo dia que se vê seriado bom todo dia
Agora posso culpar a HBO por agravar ainda mais esta minha necessidade de observar. Estreou em janeiro nos EUA, em meio ao caos da recém encerrada greve dos roteiristas, In Treatment, série baseada no programa israelense de mesmo nome (Be’Tipul) criado por Hagai Levi.
Produzido, desenvolvido, escrito e dirigido por Rodrigo Garcia (diretor de obras-primas televisivas como Tell Me You Love Me, Amor Imenso, A Sete Pamos e Família Soprano), o programa já seria revolucionário o suficiente se só e simplesmente abordasse as consultas do Dr. Paul Weston e seus pacientes, mas Em Terapia não só o faz como o faz diariamente.
Estrelado por Gabriel Byrne e pela esplêndida duas vezes vencedora do Oscar Dianne Wiest (Hannah e Suas Irmãs, de 1987 e Tiros na Broadway, de 1995), entre outros, a nova atração da HBO norte-americana foi ao ar five days a week na TV estadunidense e será exibida no mesmo formato no Brasil. Por nove semanas, 43 episódios com meia hora de duração serão exibidos de segunda à sexta. Um colosso, não?
Como funciona
Às segundas-feiras, o Dr. Paul Weston trata de Laura (Melissa George), uma jovem e atrativa médica que se consulta com Paul há cerca de um ano. Laura vive uma crise em seu relacionamento e vive um dilema: terminar de vez ou casar com seu namorado Andrew. Mas este dilema parece ser reduzido a nada quando Laura revela a Paul que está apaixonada por ele desde a primeira vez que o viu.
Às terças-feiras, é a vez de Alex (Blair Underwood), um arrogante piloto de caça da marinha que exige usufruir sempre apenas do melhor disponível. Alex é um novo paciente e exige que Paul mantenha com ele a fama de “melhor psicólogo da cidade”. O que leva o piloto ao consultório é o fato de ter explodido uma pequena escola iraquiana e ter matado 16 crianças que nela estudavam.
Às quartas-feiras quem vai ao consultório é Sophie (Mia Wasikowska), uma precoce ginasta e adolescente que tem como meta atingir o índice olímpico. Sua vida desmorona após ser o pivô de um grave acidente. Ela então é encaminhada ao psicólogo para que seja determinado se a menina tem ou não tendências suicidas, já que aquele não foi o único grave acidente em que esteve envolvida.
Às quintas-feiras Paul trata de um casal: Jake (Josh Charles) e Amy (Embeth Davidtz). Este é o dia que não conseguiu me fisgar ainda. Enquanto Jake é um músico sem sucesso, Amy é uma executiva premiada com uma bela carreira a conta bancária. Após passarem cinco anos tentando engravidar, finalmente conseguem. Porém, Amy começa a ter dúvidas se o bebê viria em boa hora, pois sua vida profissional vai maravilhosamente bem. Já Jake não admite o aborto, repudia a terapia e acredita que Amy não é fiel a ele.
Às sextas-feiras, oh my god. O melhor dia de todos. O Dr. Paul Weston, parecendo carregar um piano nas costas após uma semana de consultas intermináveis, recorre a Gina (Dianne Wiest), psicóloga aposentada e ex-mentora de Paul. Na primeira sexta-feira do programa, Paul decide ligar para Gina, pois quer conversar. Os dois não se viam há anos, desde que uma briga os separou. Neste meio temo, Gina perdeu seu marido, completou 60 anos, se aposentou e começou a escrever um livro com suas memórias. Quando indagado por Gina sobre o porque de seu telefonema, Paul afirma estar perdendo a paciência com seus… pacientes.
O melhor de tudo é que se você não gosta de um dos pacientes ou da dinâmica que tal dia da semana tem, pode simplesmente pular aquela seção e ir para outra, se bem que não recomendo fazê-lo, pois pequenos detalhes podem se desencadear ao fim de tal episódio e não ter nenhuma relação com o paciente do dia.
Tratamento pós Sopranos
O mais impressionante é a atuação de Gabriel Byrne como Paul, um sujeito de 50 e poucos anos, dois filhos e uma filha e um casamento mais para lá do que para cá. Paul atende em seu próprio lar e é acusado por sua mulher Kate (Michelle Forbes), de ser um psicólogo cheio de gás em seu consultório e um velho sem vida dentro de qualquer outro cômodo de sua casa.
A veracidade das consultas, daqueles 22 minutos de televisão onde o paciente fica de frente para Paul contando de sua vida é de um realismo absurdo. A série é viciante a um ponto que você não quer saber o que vai acontecer na próxima seção de tal paciente: apenas o próximo episódio já basta. Talvez não seja uma questão de vício que nos prende em frente a TV e sim a esperança de achar ali, um pouco do que vivemos aqui.
Talvez Em Terapia seja demais para nós, a frente de seu tempo, não sei. Ou talvez Gabriel Byrne seja aquele ator que não nos cansa, que nos faz ter vontade de ficar vinte horas com a cara colada na TV enquanto magistralmente imita todos os “errs”, “hmmms” e outros ruídos diversos que psicólogos da vida real rugem quando confrontados com nossas indagações tão mesquinhas e mundanas.
Após o fim de Família Soprano, é o segundo show que a HBO leva ao ar cujo um escritório de psicanálise é o tema principal da série (o primeiro foi Tell Me You Love Me). Pelo visto os executivos da emissora estão desesperadamente precisando de terapia. Eu também. Todos os dias.
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In Treatment estréia nesta segunda-feira (12/5) na HBO e será exibida de segunda a sexta, à partir das 20h25.
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